МХК 10 уроки Золотой век Возрождения (слайд 1 )
В конце XV — начале XVI в. в недрах итальянского Возрождения сформировалась художественная культура, не имеющая равных по своим идеалам и эстетическим ценностям.
Чинквеченто — так иначе называют этот период ослепительно ярких взлетов в искусстве и одновременно трагических падений и кризисов в государственной и экономической жизни Италии.
Этот недолгий (около сорока лет) период в развитии художественной культуры выдвинул плеяду блестящих имен, среди которых в первую очередь следует назвать титанов Возрождения — Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.
Новое искусство творили художники, прекрасно осознающие свое высокое предназначение в обществе. Это были мастера, обладающие энциклопедическими знаниями во многих областях науки, философии и искусства.
Они прекрасно усвоили законы изображения трехмерного пространства, постигли тайны рисунка, колорита, овладели приемами передачи воздушной среды, света и тени. В их произведениях появились свобода, гармония и естественность движений. Они в совершенстве изучили видимый мир во всем его бесконечном разнообразии, блеске и красоте.
(слайд 2 )Какими же были идеалы и мечты творцов Высокого Возрождения? Прежде всего это были идеалы гуманизма, непоколебимой веры в творческие возможности гармонично развитого человека. Проблемы гражданского долга перед обществом, высоких моральных качеств и героического подвига составляют главное содержание искусства того времени.
В отличие от художников Кватроченто, осуществлявших экспериментальные поиски и аналитические исследования окружающего мира, мастера Высокого Возрождения, отказавшись от частностей, пришли к постижению универсальных законов бытия, к синтезу и обобщению явлений реальной жизни.
Исследователь Н. А. Дмитриева справедливо писала:
«Кватроченто — это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинкве-ченто — синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса».
Если художники XV в. немало внимания уделяли изображению частностей (обстановки, интерьера, природы, деталей костюма), то в начале XVI столетия Человек стал универсальным выразителем отношения к окружающему миру. Именно с ним связывали свои главные мечты и чаяния мастера Высокого Возрождения.
Одновременно это было очень трудное и трагическое для Италии время, когда государственная тирания, борьба за власть, соперничество между городами, правителями и представителями церкви приводили к кровавым столкновениям и кризисам.
Прославленный гуманист Марсилио Фичино писал:
«Я ничего не слышу, кроме шума оружия, топота коней, ударов бомбарды, я ничего не вижу, кроме слез, грабежей, пожаров, убийств».
И это тоже была правда о Возрождении, мечтавшем об идеальном устройстве мира и совершенном Человеке.
Крупнейшим центром художественной культуры в это время становится Рим. (слайд 3 )Папы Римские Юлий II (1503—1513) и Лев X (1513— 1521) делали все возможное для того, чтобы город, более тысячи лет пролежавший в руинах, вновь превратился в центр мира. Флоренция, Неаполь и Милан тщетно пытались удержать своих прославленных мастеров. Рим становился центром мирового искусства.
Важнейшим событием того времени стал приезд из Милана в Рим известного архитектора(слайд 4 ) Донато Браманте (1444—1514). Свою творческую деятельность он начинал как живописец, но увлечение архитектурой впоследствии захватило его.
Глубоко впитав дух античной архитектуры, он сумел соединить его с лучшими достижениями современных зодчих, и главным образом Филиппо Брунелле-ски.
В Милане Браманте возвел несколько великолепных зданий, в том числе (слайд 5 )церковь Санта-Мария делла Грацие. И все-таки полностью его талант раскрылся именно в Риме, куда в 1499 г. он был приглашен Папой Юлием II, став вскоре главным архитектором города.
(слайд 6 )В 1503—1505 гг. Браманте осуществил реконструкцию Ватикана, преобразовав его в единый архитектурный комплекс зданий с галереями и парадными дворами. По существу, ему предстояло создать совершенно новое сооружение. Браманте соединил двумя длинными галереями здание старого Ватикана и построенную в XV в. (слайд 7 )виллу Бельведер. Пространство между этими галереями заняли два парадных двора, предназначенных для проведения торжеств и театрализованных действий. Впоследствии знаменитые лоджии Ватикана заканчивал Рафаэль, руководивший их росписью.
Но творением жизни Браманте стал проект и возведение главного католического собора — (слайд 8 )собора Святого Петра. В 1506 г. он возглавил работы по перестройке базилики IV в. Красотой и величием собор должен был затмить все существовавшие к этому времени храмы. По замыслам архитектора, в плане он представлял собой греческий (равноконечный) крест, вписанный в квадрат, что явно противоречило канонам продольной в плане романской базилики. Центром здания должен был стать огромный купол, почти равный по диаметру куполу Санта-Мария дель Фьоре Филиппо Брунеллески. Все остальные объемы (полукупола и угловые башни) группировались вокруг центрального купола, подчеркивая его главенствующую роль.
Возведение такого огромного собора, безусловно, требовало немалых расходов. Попытки Папы Римского найти новые источники финансирования не увенчались успехом, а поэтому через некоторое время пришлось остановить работы. Последовавшая смерть зодчего не позволила осуществить этот грандиозный замысел. Он успел возвести лишь наружные стены храма на высоту арок. Позднее в стро-ительстве собора принимали участие многие архитекторы, в том числе великий Микеланджело. Он значительно упростил первоначальный план, сделав собор более компактным. Окончательные работы были завершены в 1590 г., уже после смерти Микеланджело.
Архитектурное творчество Браманте имело огромное значение для современности и для последующих эпох. На многие десятилетия оно утвердило общее направление в развитии зодчества.
(слайд 9 )Основоположником искусства Высокого Возрождения считают Леонардо да Винчи. Он родился в 1452 г. в семье флорентийского нотариуса Пьетро да Винчи. Уже в детстве его отличала исключительная любознательность: он увлекался геологией и ботаникой, наблюдал за игрой солнечного света и тени, за полетом птиц, движением воды. Он усердно изучал латинский язык, открывающий ему путь к постижению различных наук.
В ранней юности он получил основательную математическую подготовку и проявил особый интерес к изобретательству. Леонардо занимался также поэзией, пением и музыкой, играл на скрипке и на арфе, был искусным собеседником. Кроме наук и искусств, в молодости он много занимался физическими упражнениями, превосходно ездил верхом, плавал и сражался на шпагах.
Рано проявившаяся художественная одаренность юноши побудила отца отдать его в обучение к одному из самых знаменитых художников Италии — Андреа Верроккьо (1435—1488). Именно здесь раскрылся многогранный талант Леонардо. Его первые творческие работы свидетельствовали об огромном даровании.
Художника особенно привлекают евангельские сюжеты «Благовещение» предстанет перед зрителем как результат многих его экспериментальных поисков. А во фреске «Тайная вечеря» найдет отражение непревзойденный талант тонкого психолога.
Искусство Высокого Возрождения принесло иное понимание женской красоты. Воплощением женского идеала становится Мадонна с младенцем Иисусом Христом — возвышенный символ материнства и жертвенной любви к людям.
Лучшие произведения Леонардо да Винчи на этот сюжет —(слайд12 ) «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» — жемчужины коллекции Эрмитажа.
Не менее известны его картины (слайд 13 ) «Мадонна в скалах» и «Святая Анна с Марией и младенцем Христом». (слайд 14 )
Не раз художник обращался и к образам своих современниц. (слайд 15 ) «Портрет Беатриче д'Эсте», «Дама с горностаем» и (слайд 16 ) «Портрет Джинервы Бенчи» и «Прекрасная Ферроньера»— это возвышенно поэтические образы эпохи Возрождения.
(слайд 17 )Среди шедевров Леонардо — «Джоконда», самое загадочное произведение художника. Четыре года он работал над портретом Моны Лизы — молодой жены богатого и известного флорентийца. Впрочем, можно ли это произведение назвать портретом? Кажется, это гораздо больше, чем просто портрет, это «песнь торжествующей любви» самого художника.
По свидетельству Вазари, во время работы Леонардо приглашал в свою мастерскую певцов, шутов, музыкантов, которые должны были не только поддерживать веселое настроение Моны Лизы, но и давать возможность художнику наблюдать за сменой ее чувств, переменчивостью выражения лица.
Смелым новаторством и глубоким философским смыслом проникнуты замысел и воплощение «Джоконды». В портрете художнику удалось создать глубоко обобщенный, идеально возвышенный образ человека эпохи, лицо, озаренное чувством собственного достоинства и внутренней духовной силы, богатством и сложностью интеллекта. Не случайно Вазари подчеркивал, что, создав этот портрет, Леонардо «совершил настоящее чудо», «это вещь скорее божественная, чем человеческая».
В чем же секрет неувядающей славы и обаяния этой картины? Почему вот уже пять столетий она приковывает внимание зрителей? Исследователи утверждают, что главный секрет таится в загадочной улыбке Джоконды. Вглядываясь в нее, мы невольно ловим себя на мысли, что вступаем в незримый диалог с этой женщиной, мучительно пытаясь разгадать что-то очень важное, лежащее за пределами реальной жизни. Может быть, во всей мировой живописи нет подобного образа, создающего иллюзию улыбки живых глаз. Джоконда буквально меняется на наших глазах: сначала она поражает нас своей задумчивостью, затем ее взгляд кажется то сосредоточенным и напряженным, то рассеянным. На смену легкой иронии приходит открытая доброжелательность и участие.
Как чуткий собеседник, она откликается на любое наше настроение и мысли. Благодаря теням, таящимся в уголках рта, улыбка то исчезает, то неожиданно появляется вновь. Нежнейшая светотень («сфумато» — от итал. «затуманенный»; термин, обозначающий мягкость живописной манеры, плавность тональных переходов, размытость контура), которой мастерски пользовался Леонардо, помогала нарушить скованность и неподвижность лица, действительно сделав его зеркалом душевных переживаний. Теофиль Готье (1811 —1872), французский поэт-романтик, уподоблял Джоконду древнему загадочному сфинксу, «который таинственно улыбается из рамы картины Леонардо да Винчи и, кажется, предлагает восхищенным столетиям загадку, которую они еще не решили».
Несомненны также композиционные и колористические достоинства этой картины. Мона Лиза изображена сидящей в кресле на высоком балконе, с которого открывается прекрасный поэтичный горный пейзаж. Между скалами извивается уходящая в горы дорога. Справа через реку перекинут каменный мост. Коричневые скалы, кажущиеся издали голубыми, лента изгибающейся дороги, поблескивающая на солнце вода представлены обобщенно. Это не столько конкретное изображение определенной местности, сколько собирательный взгляд художника на природу как на «regnum hominis» («царство человека»).
Цветовая гамма портрета — зеленые, голубые и золотистые тона — отличается благородной сдержанностью, тонкостью цветовых сочетаний и сложнейшими переходами от полутени к полусвету. Наблюдая «Джоконду» в разное время дня, при разных условиях освещения, мы видим особую игру красок, вызванную изменчивостью природы. Не раз обращались художники к этому образу, многие пытались копировать творение Леонардо, но никому не удалось постичь тайну загадочной улыбки «Джоконды».
С мечтательной, загадочной улыбкой,
Позирует она... Задумчив и велик,
Воспроизводит он своею кистью гибкой
Ее роскошный стан и несравненный лик...
Но вдруг кладет он кисть. Торжественно и важно
Он говорит: «...Века веков тебя не переменят.
Всегда бела, румяна и нежна...
Пусть зимы лютые ряд зим суровых сменят:
В твоей улыбке — вечная весна!
О смерть, приди! Я жду тебя спокойно.
Весь мир свой внутренний я в этот образ влил;
Я подвиг совершил вполне ее достойный,
Я обессмертил ту, кого, как жизнь, любил».
Долльфюс
(слайды 18,19,20 )- работы Леонардо да Винчи
Последние годы жизни Леонардо провел во Франции, куда был приглашен королем Франциском I.
Здесь вплоть до самой смерти в 1519 г. он писал трактаты о живописи, о природе воды, о строении различных машин, ставил опыты. Он объяснял причины движения, распространения звука, света и тепла, открыл первый закон скорости и инерции — основные законы механики. Во многих высказываниях Леонардо не раз повторялась мысль, что искусство должно не только учиться у природы, но и превзойти ее. В своем творчестве он сумел достичь этого.
(слайд 21 )С единственного автопортрета, выполненного художником в преклонном возрасте, на нас пристально смотрит человек, умудренный жизненным опытом. Лицо старца изборождено глубокими морщинами, густые брови нависли над глазами, пышная борода растрепана. Плотно сжатые уголки губ запечатлели скорбную усмешку. Грустный проницательный взгляд выражает не только прежнюю силу и мощь, но и затаенную печаль. Да, это взгляд мудреца, сумевшего глубже других исследовать тайны человеческой души, познать законы мира и выразить их возвышенным языком искусства.
Бунтующий гений Микеланджело (слайд 22 )
Непримиримый и гордый, бунтующий и суровый, Микеланджело перенес все муки творческого человека эпохи Высокого Возрождения. Борьба, страдание, протест, неудовлетворенность жизнью, разлад с идеалом, поиски смысла бытия — вот что наполняло жизнь выдающегося мастера.
Он родился в 1475 г., а умер в 1564 г., пережив Леонардо да Винчи и Рафаэля на четыре с половиной десятилетия, оставив далеко позади эпоху Высокого Возрождения. В последние годы жизни он стал свидетелем того, как грубо попираются идеалы гуманизма. Все это глубоко возмущало и ранило душу Микеланджело. В одном из своих стихотворений он писал:
Отрадно спать, отрадней камнем быть,
О, в этот век, преступный и постыдный,
Не жить, не чувствовать — удел завидный.
Прошу, молчи, не смей меня будить.
Перевод Ф. И. Тютчева
В историю мировой культуры Микеланджело вошел как блестящий мастер скульптуры. Уже в 23 года он создал удивительное произведение, которое принесло ему известность и славу. Тысячи паломников и жителей Рима ежедневно толпились у статуи (слайд 23 ) «Пьета» (1498—1501) в соборе Святого Петра (см. с. 228). Во всем Риме только и было разговоров, что об этом произведении и о его великом творце. Хвалебным речам и заказам, казалось, не было конца. Один из кардиналов заказал у скульптора сразу 15 статуй для сиенского собора. (слайды 24,25 )
В своем творчестве Микеланджело последовательно отстаивал веру в безграничные возможности человека, в силу его воли и разума. Именно ему принадлежит создание ярчайшего символа эпохи — замечательной скульптуры (слайд 26 ) «Давид» (1501—1504). «Флорентийский гигант» (высота 5,5 м) — так называли современники одно из самых прекрасных созданий художника.
Вершиной художественного мастерства стала также скульптура библейского (слайд 27 )пророка Моисея (1515—1516), которой было посвящено 40 лет жизни...
В 1520 г. Микеланджело получил заказ на выполнение внутреннего убранства погребальной капеллы герцогов Медичи во флорентийской церкви Сан-Лоренцо. Гробница известных представителей династии должна была стать символом их правления. Первоначально было задумано пять гробниц, но сделать удалось лишь две — у южной и северной стен капеллы. Каждая из них представляет собой саркофаг, на крышке которого возлежат аллегорические фигуры «Утра» (слайд 28 ) и «Вечера», (слайд 29 ) «Дня» и «Ночи» (слайд 30 ).
Мастерство скульптора проявилось в умелом объединении пристенных надгробий с архитектурой капеллы.
Таким образом, Микеланджело создал единый ансамбль, обладающий необычайной силой эмоционального воздействия на зрителей.
Вазари очень верно оценил эту гениальную работу художника:
«...Изумляет он всякого мыслью, выраженною им в гробницах... Позы этих статуй так прекрасны, мускулы переданы так искусно, что, если бы искусство погибло, их одних оказалось бы достаточно, чтобы возвратить ему первоначальный свет».
Общей идеей, объединившей все скульптурные образы, была идея трагического бессилия человека перед силой всесокрушающего времени. Фигура «Ночи» стала одним из самых ярких символов Жизни и Смерти. Сильная и красивая женщина спит, но сны ее беспокойны и тревожны. Мучительно неудобная поза, отрешенное выражение усталого и скорбного лица призваны подчеркнуть трагический смысл образа.
Поэт Джованни Строцци не случайно написал о ней:
Ночь, что так сладко пред тобою спит, То ангелом одушевленный камень: Он недвижим, но в нем есть жизни пламень, Лишь разбуди, и он заговорит.
Образы времен суток стали для Микеланджело отражением глубоких философских размышлений о смысле жизни и смерти.
Мы погоняем ночь, как скакуна,
И тщимся днем вкусить отдохновенье.
Надежда на покой обречена
— Его сулит нам только сновиденье.
А жизнь из разных нитей сплетена:
Добро и зло — друг в друге отраженье.
Здесь и далее перевод Е. Солоновича
Микеланджело соорудил анонимные гробницы, отказавшись от каких бы то ни было пояснительных надписей. И в этом также заключался глубокий философский смысл:
Напрасны эпитафии для славы
— К ней нечего прибавить иль убавить:
Со смертью всем деяниям конец.
Четырнадцать лет жизни Микеланджело посвятил сооружению этой гробницы, ставшей своеобразным реквиемом культуре итальянского Возрождения.
(слайд 31 )Мировую известность художнику принесли росписи свода Сикстинской капеллы в Риме. Микеланджело долго не соглашался, считая себя прежде всего скульптором, а не живописцем.
Но Папа Римский Юлий II настаивал, и великому мастеру пришлось уступить. Ему предстояло расписать площадь в 600 (!) м2. Отказавшись от помощи учеников, Микеланджело все делал сам. Работа растянулась на долгие четыре года и потребовала от художника большого напряжения физических и духовных сил. День за днем, ночь за ночью он проводил в капелле, сутками не спускаясь с лесов. Это был невыносимо тяжелый, поистине титанический труд художника.
В одном из своих стихотворений Микеланджело так писал об этом:
От напряженья вылез зоб на шее,
Живот подполз вплотную к подбородку,
Задралась к небу борода.
Затылок Прилип к спине, а на лицо от кисти
За каплей капля краски сверху льются
И в пеструю его палитру превращают.
По замыслу автора свод должны были украсить эпизоды сотворения мира и человека от первых дней творения до грехопадения, Всемирного потопа и истории Ноя. Получив одобрение Папы Римского, Микеланджело приступил к работе...
Так появились замечательные фрески «Отделение света от тьмы» (слайд32 ), «Сотворение Адама» (слайд 33 ), «Сотворение Евы» (слайд 34 ), «Жертвоприношение Ноя» (слайд 35 ) «Грехопадение и изгнание из рая» (слайд 36 ), «Потоп» (слайд 37 ) и др.
В 1536—1541 гг. Микеланджело продолжил работу в Сикстинской капелле, украсив ее алтарную стену фреской(слайд 38 ) «Страшный суд», ставшей апофеозом страдания и гнева. Вновь здесь выросли леса, и на них появилась фигура художника, с утра и до последнего луча солнца наносившего мазки на свежую штукатурку. Как ему хотелось передать в красках человеческие чувства и страсти: надежду и отчаяние, измену и предательство, бессильный гнев и нестерпимую физическую боль, ужас и умиление, радость и восхищение...
В центре обширной композиции он изобразил (щелчок) мощную фигуру Христа, карающего людей за совершенные грехи. Поднятой правой рукой он обрушивает вниз фигуры грешников, пытающихся подняться вверх. Левой — притягивает к себе избранных, стоящих справа от него. Ужас всемирной катастрофы и возмездия за грехи человеческие художественно представлен в сложных сплетениях тел, разнообразии поз и ракурсов, усилен богатством колорита, контрастами света и тени.
Потрясенные зрители испытывали смятение и ужас, им мерещились крики и стоны несчастных, напрасно молящих о помощи. Внизу картины они видели лодку Харона — перевозчика душ грешников. Его глаза, как раскаленные угли, горят адским пламенем. Ударом весла он безжалостно подгоняет тех, кто упирается или замешкался в растерянности. У зияющей бездны — входа в чистилище — несколько демонов нетерпеливо ожидают новую партию грешников... Как все это было созвучно строкам из «Божественной комедии» Данте!
А бес Харон сзывает стаю грешных,
Вращая взор, как уголья в золе,
И гонит их, и бьет веслом неспешных...
Перевод М. Лозинского
В общей композиции зрители различали души воскресших к новой жизни. Среди них блаженные, святые апостолы, пророки и мученики. Одни из них показывают раны на теле — зримые свидетельства земных страданий. Другие смиренно ожидают своей участи. Над душами тех, кого ожидает спасение, витают ангелы.
Элементы росписи Сикстинской капеллы (слайды 39-48 )
(слайд 49 )Долгий и трудный путь на земле Микеланджело закончил созданием вознесшегося к небесам купола собора Святого Петра в Риме. В городе, некогда поразившем его творческое вдохновение, ему суждено будет оставить вечную память о себе. При жизни мастера были завершены алтарные стены и пилоны, начал возводиться купол. Микеланджело не суждено было увидеть свою работу завершенной, но замысел архитектора был воплощен по его проектам и чертежам уже после смерти.
(слайд 50 )Умирая, Микеланджело оставил краткое завещание: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным». В своей жизни он сделал гораздо больше: он подарил человечеству свои бессмертные творения, снискав в веках славу Гения.
Рафаэль — «первый среди великих» (слайд 51 )
Более пяти столетий имя Рафаэля (1483—1520) окружено ореолом поклонения и восхищения.
Исследователи отмечали «непринужденный вкус в выборе прекрасного, способность ума извлекать из многих частностей красоту, живое чувство... легкость послушнейшей кисти в воплощении творческой фантазии...» Современники, высоко ценившие его талант, называли художника «божественным Рафаэлем».
Эти слова не были преувеличением. Как никто другой из живописцев, Рафаэль умел убедить в правдивости созданных им образов и в то же время зародить в душе стремление к поискам прекрасного. Свои творческие искания он воплотил в совершенных образах Мадонны, в монументальных фресках, алтарных картинах и реалистических портретах. (слайды 52-56)
Рафаэль умер в самом зените славы, в полном расцвете сил, но за свою недолгую жизнь он создал множество шедевров, составивших гордость мировой культуры. Первые творения Рафаэля («Сон рыцаря(слайд 57 )», «Святой Георгий, поражающий дракона» (слайд 58 )) свидетельствовали об огромном даровании начинающего художника.
Рафаэля справедливо считают певцом женской красоты. Он говорил:
«Чтобы написать красавицу, мне надо видеть многих красавиц. Но ввиду недостатка... в красивых женщинах, я пользуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на ум. Имеет ли она какое-либо совершенство, я не знаю, но очень стараюсь его достигнуть».
Благородные овалы лиц, длинные прямые волосы, спокойные и добрые глаза, чуть тронутые улыбкой губы — таковы его женские образы. Им написано более двадцати Мадонн, (слайды 59-62 ) среди которых достойное место занимает ранняя работа — «Мадонна Конестабиле» (слайд 63 ). На фоне пейзажа изображена молодая женщина с ребенком на руках. Задумчивое, немного грустное лицо обращено к книге Священного Писания. Рассеянным взглядом она скользит глазами по давно знакомым строчкам. А в это время шаловливый ребенок пытается перевернуть страницы книги. Молодая мать и ее дитя удивительно трогательны и простодушны. Рафаэль мастерски вписывает фигуры Марии и малыша в очень сложную для живописцев форму тондо (итал. «круг»). При этом он соблюдает все законы перспективной живописи, не нарушая естественных форм зрительного восприятия мира.
Это были лишь первые творческие опыты. Истинную известность и славу Рафаэлю принесла картина «Обручение Марии» (слайд 64 ) (1504. Галерея Брера, Милан).
Увлекшись монументальной живописью, выполняя многочисленные заказы, художник не расставался с темой материнской красоты. С вдохновением и любовью Рафаэль пишет свою непревзойденную (слайд 65 ) «Сикстинскую мадонну», давно уже вошедшую в наше сознание как символ жертвенной любви во имя спасения человечества. Композиция поражает величавой монументальностью и гениальной простотой. Мария медленно сходит на землю... Она только что сделала шаг навстречу людям, но главное ее движение еще впереди. Взгляд Марии лучистый, глаза широко и доверчиво открыты, они светятся нежностью и добротой. Мадонна держит на руках младенца — самое дорогое, что есть у нее в этом мире. Она несет его людям, прекрасно понимая, какая трагическая судьба уготована ему. Но и перед лицом грядущих испытаний она не теряет спокойствия, она пришла на землю не для того, чтобы призывать людей к покорности и самоотречению, а чтобы служить грядущим поколениям примером человеческого достоинства, самопожертвования и любви.
Она идет хвалам внимая,
Благим покрытая смиреньем,
Как бы небесное виденье Собою на земле являя...
Так выразил свои чувства поэт В. А. Жуковский, называвший «Сикстинскую мадонну» Рафаэля «воплощенным чудом», «поэтическим откровением», созданным «не для глаз, а для души»!
В 1508 г. по приглашению Папы Юлия II Рафаэль навсегда переехал в Рим. Здесь он получил ответственный заказ — расписать несколько помещений второго этажа дворца в Ватикане. В Станца дел-ла Сеньятура, служившей одновременно библиотекой и кабинетом Папы, Рафаэль создал четыре известнейшие фрески: «Афинская школа», (слайд 66 ) «Парнас», (слайд 67 ) «Диспута» и «Юриспруденция». Каждая из них посвящена разным формам духовной деятельности человека: философии, искусству, богословию и законодательству.
(слайд 68 )Фреска Рафаэля «Афинская школа» — подлинный гимн человеческому знанию. В центре ее великие греческие философы Платон и Аристотель. Один указывает на небо, другой — на землю. Неподалеку Сократ со своими учениками, одинокий, глубоко задумавшийся Гераклит. Здесь же математики Пифагор и Евклид, астрономы Птолемей и Зороастр. В небрежной одежде и позе лежит на ступенях лестницы Диоген, учивший довольствоваться в жизни лишь самым необходимым. Многочисленные слушатели и ученики окружают беседующих или размышляющих мудрецов, исполненных сдержанного достоинства и уважения друг к другу. Каждый из изображенных наглядно воплощает представления об идеальном человеке. Каждый обладает высочайшей духовной энергией и глубокой нравственной силой. Каждый неуклонно верит в действенность человеческой мысли и знаний. Глядя на них, вспоминаются строки из «Божественной комедии» Данте:
Вы созданы не для животной доли,
Но к доблести и знанью рождены...
Интересно, что грандиозная композиция, в которой представлено более 50 фигур (!), не кажется перегруженной. Напротив, она создает удивительное впечатление простора и свободы, безупречной легкости в изображении каждой из многочисленных групп. Как великолепна и изящна архитектура с уходящими в бесконечность арками величественного собора, сквозь которые видна синева клубящегося облаками неба!
В «Афинской школе» Рафаэль придает некоторым героям черты своих известных современников: Платону — Леонардо да Винчи, Гераклиту — Микеланджело. Здесь же он запечатлел и самого себя, наглядно продемонстрировав блестящее мастерство портретиста.
Вглядимся в строгие портреты современников Рафаэля. За внешней простотой в них легко угадывается богатство внутреннего мира. (слайд 69 ) «Портрет дамы с единорогом», (слайд 70 ) «Портрет кардинала», (слайд 71 ) «Портрет графа Бальдассаре Кас-тильоне», (слайд 72 ) «Портрет папы Льва X с кардиналами», (слайд 73 ) «Дона Beлата» — шедевры портретного искусства Рафаэля. В основе каждого произведения лежит глубокое и пристальное изучение природы человека, внимание к его психологической характеристике. Портретное сходство с оригиналом также становится неотъемлемым условием творчества художника.
Не идеализируя и ничуть не приукрашивая, Рафаэль изображает известного мецената Анджело Дони, придавая ему черты обобщенного образа эпохи Возрождения. Перед нами человек, полный жизненной энергии, спокойной собранности и силы воли. Контрастность внешнего облика портретируемого усилена строгим черным костюмом с широкими красными рукавами и белым воротничком. Массивные перстни украшают пухлые, немного женственные руки. Фигура Анджело дана на фоне обобщенного пей-зажа, усиливающего эмоциональное воздействие произведения на зрителя.
Талант Рафаэля был удивительно разносторонен. Он занимался не только живописью, но и архитектурой, декоративно-прикладным искусством. Им построены палаццо во Флоренции и вилла неподалеку от Рима. Им создан целый ансамбль портиков, павильонов, парков с прекрасными растениями и сверкающими бассейнами. Ему мы обязаны сохранением знаменитого Колизея, белый туф которого растаскивали на всевозможные стройки на протяжении нескольких веков. После смерти Браманте он руководил строительством римского собора Святого Петра. По картонам Рафаэля вытканы гобелены, изображающие эпизоды из жизни апостола Петра. (слайд 74 ) Впоследствии по сохранившимся эскизам Рафаэля ученики расписывали Лоджии Ватикана.
Последним произведением Рафаэля стало «Преображение Господне» (слайд 75 ) (1518—1520. Пинакотека Ватикана, Рим). Но, к сожалению, ему не суждено было завершить работу над ним. Лишь верхняя часть картины полностью выполнена великим Мастером. Неоконченное «Преображение» установили у изголовья умершего в день своего рождения художника, и весь Рим, прощаясь со своим любимцем, с восхищением взирал на чудо, которое совершилось здесь, на земле, а не на небесах. Через два года ученики Рафаэля завершили картину.
(слайд 76 ) Художник, оплакиваемый всем Римом, был с почестями похоронен в Пантеоне, «храме всех богов». Один из его современников пророчески написал в те дни:
«Окончилась его первая жизнь; его вторая жизнь, в его посмертной славе, будет продолжаться вечно в его произведениях...»
|