Французская живопись 60 – 70-ых годов



Скачать 152.09 Kb.
Дата07.05.2016
Размер152.09 Kb.

Французская живопись 60 – 70-ых годов


В 1863 году официальное жюри отвергло ряд картин современных французских художников. Они организовали «Салон отверженных» – свою выставку. Среди них был 31-летний художник Эдуард Мане.

Эдуард Мане (1832 – 1883)

Выходец из буржуазной зажиточной семьи, он всю жизнь добивался, чтобы его признали преемником старых мастеров, но Академию раздражала свободная и современная манера письма художника. В 1862 году он выставил картину «Завтрак на траве», которая немедленно вызвала скандал. На картине изображена обнаженная модель в окружении одетых по последней моде молодых мужчин. Такое изображение было традиционно для эпохи Возрождения, но в данном случае оно не было прикрыто никакими мифологическими сюжетами. Нагота вызвала негодование буржуазной публики, хотя эта же публика ничего не имела против картин Энгра с их большим количеством обнаженных женских тел.



«Олимпия» (1863)

Эта картина, выставленная на парижском Салоне 1865 года, вызвала еще больший скандал. Мане вновь обратился к переосмыслению традиционного для классической живописи сюжета. Начиная со «Спящей Венеры» Джорджоне, изображение лежащей обнаженной женщины было обычным для классической живописи. Но и тут Мане пошел своим путем. Юная модель угловата, независима, взгляд ее чуть рассеянный и бесстрастный. Это скорее парижская куртизанка, нежели юная богиня. В картине увидели пародию на высокое искусство. Действительно, черная служанка, цвет кожи которой контрастирует с розоватым телом Олимпии, принесла цветы от предыдущего «гостя». Но Олимпия не смотрит на подарок, взгляд ее устремлен на зрителя. Букет цветов представляет собой мастерский натюрморт. Жемчуга в ушах и на шее и цветок в волосах Олимпии делают ее наготу еще более вызывающей. С цветом разобранной постели контрастирует серо-желтая шаль. В картине в первую очередь бросается в глаза четкий контур, который обрисовал тело Олимпии. Точно так же строги контуры всех предметов на картине. Мане даже не пытается передавать светотень или выписывать детали. Это был поиск нового языка, схожий с поисками Курбе, но современные критики посчитали, что Мане не владеет мастерством.

Мане любил эту картину больше других и отказывался ее продавать. После смерти художника она была выставлена на аукционе, но покупателя не нашлось. Позже крупнейшие художники Франции выкупили картину и передали ее в дар государству. Она находится в Париже в Музее Орсе. На картине «Флейтист» представлен мальчик на оливково-сером фоне, играющий на флейте. Мы вновь видим, как четко обрисован его контур.К 1881 году художник наконец добился признания и получил орден Почетного легиона.

«Бар в Фоли-Бержер» (1882)

Эта картина подвела итог всем художественным исканиям Мане. Пот композиции – это выхваченный из жизни кусок, но на самом деле картина четко продумана. В центре – молодая задумчивая женщина. Это продавщица: несколько утомленная, бесстрастная, профессионально любезная. Моделью для художника послужила Сюзон, действительно работавшая в баре Фоли-Бержер. Мане уловил ее настроение очень хорошо: мы чувствуем, что девушке безразлично шумное веселье пестрого общества в зале. Сам зал с публикой отражается в огромном на всю стену зеркале. Этот прием создает все наиболее интересные загадки полотна. Так мы видим в зеркале продавщицу, беседующую с покупателем. Это должна быть Сюзон. Но не в зеркале Сюзон ни с кем не беседует, а ведь покупатель стоит на месте зрителя, прямо перед которым и стоит барменша. А может быть, Сюзон только что побеседовала с ним и поэтому погружена в свои раздумья? Центральная вертикаль проходит четко через фигуру Сюзон, так что кажется, что фигура девушки разделена на две зеркальные половины. В зеркале отражается блеск электрического освещения, только что входившего тогда в моду. Отраженный в зеркале балкон и стойка бара образуют главные горизонтали, делящие картину на верхнюю и нижнюю части. Бутылки и сама фигура Сюзон – вертикали, связывающие части в единое целое. На крайней слева бутылке шампанского – дата создания картины и подпись художника. Среди бутылок шампанского – бутылки пива с красными треугольниками на этикетках. Это говорит о пестроте той публики, которая приходит в бар и выбирает напитки: буржуазия и интеллигенция предпочитает шампанское, а рабочие – пиво. В левом верхнем углу – акробатка, мы видим только ее розовые чулки и зеленые башмаки. Она должна веселить публику, но кажется до нее никому нет никакого дела. Это еще больше подчеркивает безразличие самой Сюзон.

В картине немало живописных пятен черного цвета. Писать черным чрезвычайно трудно, так как этот цвет может поглотить все соседние. Но Мане мастерски умел работать с этим цветом, который принимал у него изысканный оттенок. Этому Мане учился на полотнах Веласкеса и Гойи - великих испанцев, которых боготворили художники 19 века. Сочно и выразительно написаны фрукты в вазе и цветы в бокале. Пара роз в бокале перекликаются с цветами, приколотыми к вырезу платья Сюзон. В картине, с казалось бы, простым сюжетом – бездна наблюдений над жизнью, великолепие цвета, загадки и просто прекрасная живопись.

Эдгар Дега (1834 – 1917)

Большой оригинальный талант, острое динамичное восприятие мира отличали этого прекрасного французского художника. Он никогда не искал официального признания, но именно ему удалось преодолеть разрыв между классическим искусством, начавшимся еще в эпоху Возрождения, и современным живописным языком. Выходец из аристократической семьи, он должен был пойти по стезе юриспруденции, но с 18 лет посвятил себя живописи, поехал в Италию, где жил довольно долго, копируя работы старых мастеров. С 1874 года, когда после смерти отца выяснилось, что долги очень велики, Дега отказался от своей доли наследства в пользу братьев, и стал зарабатывать на жизнь искусством. В Лувре Дега познакомился с Мане, обоих туда привела любовь к Веласкесу. Мане убедил художника обратиться к современности. Дега стал признанным мастером в умении запечатлеть как бы случайный кусок жизни, но при этом навсегда остался верен работе в мастерской, не признавая работу на пленэре.



«Музыканты оркестра» (1872)

На переднем плане мы видим музыкантов, а в глубине танцовщицу. Господствует резкий контраст масштабов фигур, и в этом оригинальность композиции. На полотнах Дега нет позирующих персонажей, есть непринужденность поз и ярко выраженные профессиональные движения героев: танцовщиц, жокеев. Такова картина «Скачки: перед заездом», где Дега восхищают гармония и изящество движений.



«Танцевальный класс» (1873-1875)

Дега был страстно увлечен балетом, едва ли не половина его полотен посвящены этому прекрасному искусству. Иногда он изображал балерин на сцене, но куда больше его интересовала непринужденная обстановка репетиций или краткого отдыха между занятиями.

Дега великолепно чувствовал, что труд балерины созвучен труду художника. Отточенное мастерство достигается тяжким трудом. В глубине комнаты девушки в самых непринужденных позах. Они, кажется, не обращают никакого внимания на балетмейстера. Это Жюль Перро, знаменитый балетмейстер, звезда парижского балета. Он обращается к девушке, стоящей на фоне проема двери. Справа внизу пустое пространство. Оно противопоставлено переполненному пространству по стенам зала. Такой контраст – один из любимых приемов Дега. Отчетливо выписанные доски пола сразу затягивают наше внимание в глубину пространства. Зритель должен занять место наблюдателя, но девушка на переднем плане повернута к зрителю спиной и не замечает нашего присутствия. Такой прием создает напряженный сюжет. Мы как бы и находимся в зале и в то же время вне его. Крупные картины переднего плана контрастируют с небольшими по размерам фигурами дальнего плана. Это еще один контраст на полотне. Интересны детали картины, оживляющие ее. Таков милый пес, обнюхивающий ноги балерины на переднем плане. А лейка в левом углу нужна была для того, чтобы поливать из нее деревянный пол и прибивать пыль. На лейке Дега поставил свою подпись. Дега был великолепным рисовальщиком и умел поразительно точно выхватывать человеческую позу. Обратите внимание на девушку, которая сидит на фортепиано и чешет спину рукой. Мраморная отделка зала – четкие темные вертикали образуют перспективу и направляют наш взгляд в конец зала, где на помосте стоит девушка, поправляющая бархатку на шее.

«Четыре танцовщицы за сценой» («Голубые танцовщицы») 1898 г. На картине круговой танец девушек с точными и плавными движениями. Она производит впечатление только что увиденной и моментально сфотографированной сцены. Это не случайно. Дега одним из первых оценил значение фотографии и увлекался этим искусством. Здесь перед нами типичные жесты балерин – упражнение на растягивание и приведение в порядок костюма. Возможно, что Дега написал эту картину, используя одну и ту же модель для четырех фигур, с тем, чтобы лучше изучить повороты под разными углами. Картина написана пастелью – цветными мелками. Пастель позволила Дега передавать мимолетные радости исполнительского искусства. Энергичные мазки пастели на данной картине лепят тело и пачку танцовщицы. Преобладает интенсивный синий цвет.

«Любители абсента» (1876)

Перед нами дешевое парижское кафе, в котором коротают время одинокие потерянные маленькие люди большого города. Безнадежна их убогая жизнь. Тревожны краски картины с преобладанием желтого и черного. При этом интересно, что для Дега позировали его друг - профессиональный художник и профессиональная модель Элен Андре. Дега сумел превратить образы этих людей в настоящий символ страдания и пустоты жизни. Показанная впервые в том же 1876 году она была подвергнута критике за отвратительной новизны содержание.



«Гладильщицы белья» (1876)

Женщины отупели от усталости и механической работы. Точно схвачена привычная для них профессиональная размеренность движений. Особенно выразителен жест гладильщицы, зевающей с бутылкой вина в руке, от своей скучной и однообразной работы. Картина была выполнена на грубом холсте, что дало замечательный эффект ощущения правды жизни.



«Зеленая танцовщица» 1880

Соединение пастели и гуаши, с которыми экспериментировал Дега, дает главные цветовые эффекты этой картины. Тело танцовщицы кажется вибрирует в лучах освещения, необычайно легки пачки из муслина. Из ложи, где как бы находится зритель, видна танцовщица в зеленом, исполняющая сложный танец – арабеск, за ней видны другие танцовщицы. Танцующие балерины двигаются по диагонали, но изображение уравновешено группой танцовщиц в оранжевых костюмах в глубине сцены, ожидающих сигнала к выходу на сцену.



Импрессионисты


В 1874 году на выставке художников, противопоставивших себя парижскому Салону, была выставлена картина «Впечатление. Восход солнца» Клода Моне. Это название – впечатление, то есть импрешн, и дало название целой группе художников: Камилл Писсаро, Альфред Сислей, Огюст Ренуар. К ним были близки Эдуард Мане и Эдгар Дега. До 1886 года проходили выставки импрессионистов. Их любимыми темами были жизнь улицы, вокзала, кафе, баров, образы современников различных профессий, общественные слоев, городской пейзаж..Импрессионисты ставили цель передать быстрый ритм жизни, большой город, мгновенное состояние природы, новый тип освещения. Все это вело к поискам новых средств художественной выразительности. Они отказались от черного цвета, считая его слишком музейным, так называемая «музейная чернота». Отказались и от чистых белил, так как белого цвета в природе не существует. Импрессионисты стремились использовать чистые цвета, не смешивая краски на палитре. Вблизи на картинах импрессионистов можно увидеть множество отдельных мазков, которые, сливаясь, дают нужный эффект на расстоянии. Если преобладают теплые краски, то образовавшийся тон будет розовато-красным, если цвета даны поровну – серым. Поверхность картин импрессионистов кажется трепещущей, зыбкой. Они очень любили изображать рябь на воде, блеск солнечных лучей, улыбку. На полотнах импрессионистов не было места социальной критике, господствовали чисто художественные задачи. Это отличает их от таких художников, как Курбе. Зрительные впечатления и ощущения художника – вот что интересует импрессионистов. Постепенно их картины стали превращаться в эксперимент с освещением, когда на полотне уже были только световые и цветовые пятна. Прекрасное они искали не в прошлом, как официальные художники, а в настоящем. В начале своего пути они не были признаны, ценил их живопись только узкий круг, покупать никто не хотел, жюри отвергало. Признание пришло только через 15 лет. Все эти годы многие из них бедствовали, нищенствовали, но не потакали общепринятым вкусам. Их поддерживали редкие коллекционеры, мелкие служащие, художники-любители. Врач бесплатно лечил их детей, получая плату картинами, торговец красками брал их работы в обмен на свой товар. Помогали они и друг другу. В России нашлись ценители, которые покупали работы импрессионистов, поэтому в Музее имени А.С. Пушкина есть богатая их коллекция.

Клод Моне (1840 – 1926)

Глава и теоретик импрессионизма родился в Париже, но все его детские и юношеские впечатления были связаны с Гавром. Отец, державший бакалейную лавку, не желал видеть сына художником. Большое влияние на юного Моне оказал художник Буден. Именно он посоветовал юноше обратить внимание на пейзажную живопись, наблюдать за морем и небом, воспринимать людей, животных, здания, деревья в окружение света и воздуха. Так были заложены принципы пленэрной живописи, которым Моне оставался верен всю свою жизнь. Вскоре Моне попал в Париж. Здесь его поражают не классические полотна на исторические и религиозные темы, а Коро, Руссо, Тройон, Добиньи. Позже он открывает для себя Милле и Курбе. В мастерской художника Глейра Моне познакомился с Ренуаром, Сислеем, Писсаро – всеми своими будущими единомышленниками. Наибольшее впечатление на ищущую молодежь произвел Эдуард Мане. Перед их глазами проходила борьба за «Завтрак на траве» и «Олимпию», за утверждение реализма в живописи. Постепенно и Моне нашел свой новый язык.



«Бульвар капуцинок в Париже» 1873 ГМИ

Запечатлен вид шумной улицы Парижа с текущей толпой, потоком движущихся экипажей. Передана влажность воздуха, далеко уходящий простор бульваров, видных сквозь голые ветви платанов. Точка зрения с высокого балкона, часть которого включена в композицию. Стоящие на балконе мужчины вместе со зрителем наблюдают поток внизу. Создается как бы случайность, то есть фрагментарность впечатления. Моне отказался от тщательной прорисовки деталей. Не видно никаких отдельных достопримечательностей Парижа. Художника интересует город как целое. Картина написана маленькими свободными мазками, отчего создается впечатление, что все изображение словно растворяется воздушной дымке. Такая манера способствует передаче движения: кажется, что движутся экипажи, спешат прохожие, ветер раскачивает листву деревьев, бегут по небу облака, уходит вдаль, в сторону Оперы, бульвар. Картина была выставлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году и вызвала бурю нападок.



Выставка 15 апреля 1874 года проходила как раз на этом бульваре в центре Парижа. Она имела исключительное значение для французского искусства.

Впервые академической салонной живописи были противопоставлены не отдельные художники, а новая организация – независимая выставка, которая собрала под свои знамена все лучшее, что было во французской живописи. Свои картины дал для выставки и Эдгар Дега. Именно для этой выставки Моне дал картину «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всей новой живописи. Критик Леруа в пародийной статье с издевкой назвал этих художников импрессионистами. Вначале они были оскорблены, но потом им понравилось это название, и под ним они вошли в историю искусства.

С 1872 года Моне жил в небольшом городке Аржантейе на Сене неподалеку от Парижа.

«Осенний свет в Аржантейе» 1873

Небольшой по размеру пейзаж, не содержащий ни рассказа, ни сюжета – образец настоящей живописи импрессионизма. Картины этих художников были невелики, потому что так их было удобнее переносить с места на место, ведь они писались на пленэре. Обратим внимание на то, как художник вовлекает зрителя в переживание. Вот облака – они написаны округлыми мазками, что передает их пушистость. А тронутая рябью поверхность реки – короткими поперечными штрихами кисти. Мане не смешивал краски на палитре, а писал отдельно каждый из цветов радужного спектра. Так слева нарисованы деревья на другом берегу реки. Здесь расположены вплотную горячие красные, оранжевые краски и холодные синие. В результате создается впечатление тепла и свежести, которые присущи осеннему дню. Голубая полоса между Сеной и городом связывает, как мостом, деревья на одной и другой стороне Сены. Эта полоса создана из мазков различных цветов. Здания на берегу уравновешены их отражением в воде, при этом художник не забывает, что между отражением и предметом есть полоса водной глади. В нижней части картины мазки Моне широки и крупны, при изображении удаленных объектов они становятся все мельче и мельче. По мере удаления вглубь светлеют тона. Так возникает ощущение воздушной перспективы.



«Руанский собор в полдень», «Руанский собор вечером»1893 – 1895 ГМИ

Это почти эксперименты со светом. Дан один и тот же мотив – изображение готического собора в Руане, но в разные часы. Моне хотел уловить изменение света и цвета на одной и той же поверхности в зависимости от времени суток.

В дневном соборе - интенсивно голубое небо вверху и фиолетовые тени внизу, между ними россыпь золотистых, розовых, чуть лиловых тонов, чередующихся с вкраплениями голубизны. Во второй картине сине-голубых и лиловых становится значительно больше, почти гаснут розовые тона, а золотистые отливают оранжево-красным.

«Белые кувшинки» 1899

Поселившись в местечке Живерни, Клод Моне приобретает себе участок земли и устраивает сад с прудами, в которые высаживает водяные лилии разных оттенков. Несколько раз в году он меняет растения. Мотив сада становится одним из самых излюбленных в творчестве художника. На картине мы видим уголок сада с прудом, покрытым цветущими кувшинками бело-розового и желтого цвета и их большими зелеными листьями. Пруд окружен зеленью сада, и только справа сквозь нее проглядывает яркая голубизна неба. Основной цвет картины – интенсивный зеленый, на фоне которого особенно ярко звучат белые, желтые и розовые тона. Уже не цвет, а декоративные сочетания различных цветов увлекают художника. Мазки в картине становятся необыкновенно разнообразными: так зелень у воды написана мазками-запятыми, цветы кувшинок очень густыми мазками – пастозно, мостик – сплошные линии.

В России интерес проявили собиратели коллекций Щукин и Морозов. Благодаря их стараниям произведения выдающегося французского художника широко представлены в русских музеях. Моне оказал огромное влияние на художников, выступивших на арену искусства после него. Моне – это поэзия вечно обновляющегося мира, природы, омытой дождями, сверкающей блеском красок, пронизанной воздухом и светом.

Камилл Писсарро (1830 – 1903)

При точной композиции, живом восприятии природы в его картинах сдержанный свет. Он любил изображать влажную атмосферу пасмурных дней, теплые тона вспаханной земли. Он создал серии полотен, посвященных парижским улицам. До него городской пейзаж в первую очередь изображал достопримечательности – архитектуру, знаменитые памятники. На полотне Писсарро «Бульвар Монмартр в Париже» дан широкий охват пространства, совмещенный с мелким масштабом фигур и экипажей.



Огюст Ренуар (1841 – 1919)

Этого художника отличал огромный интерес к человеку, великолепна серия его портретов, раскрывающая образы современников и, в первую очередь, французских женщин. Сын бедного портного из города Лиможа, он начал работать в 13 лет в Париже с росписи фарфора. Такая школа чем-то напоминала средневековое ученичество и эпоху Возрождения. В 17 лет Ренуар расписывает веера, копируя художников 18 века – Ватто и Буше. Живопись по фарфору привила художнику любовь к чистым, прозрачным краскам, а знакомство с живописью 18 века привлекло к радостным, праздничным сюжетам, изображению женского тела. В 19 лет он решил посвятить себя живописи и очень подружился с Клодом Моне. «Я отдаю предпочтение живописи, доставляющей радость», – эти слова Ренуара как нельзя лучше характеризуют его как художника. Испытав влияние Моне, он начинает с мощной светотеневой лепки объемов.



«Чета Сислей»

Эта картина близка еще к манере Курбе и Коро. Изображая в двой- ном портрете чету любящих супругов, Ренуар обращается к традициям позднего средневековья и Рубенсу. Полотно отличается яркой цветовой насыщенностью, в нем преобладают четкие, локальные цвета. Зеленовато-серебристая, пронизанная светом листва не просто служит фоном, но создает особую поэтическую среду картины.



«Обнаженная» 1876 ГМИ

На картине мы видим все очарование непосредственности, мастерскую живопись в импрессионистической манере. Для этой картины позировала известная в среде художников прекрасная Анна. Ренуар нашел совершенно новые приемы изображения обнаженного тела. Главной его задачей было утверждение нового типа женской красоты, далекого от академической холодности. Из мерцающих холодных тонов фона возникает подобно явившейся из морской пены Афродите, полнокровно и свободно написанная фигура Анны. Ее тело выписано тончайшими лессировками, то есть прозрачными слоями краски, просвечивающими один сквозь другой. Такая живопись напоминает мерцание перламутра, поэтому данный шедевр иногда называют «жемчужина».



«Девушка с веером» 1881 Эрмитаж

Передана мягкая грация, гармония цветовых решений, контрасты перламутровых оттенков, нежные тона кожи и темные, насыщенные тона волос и костюма.



«Портрет артистки Жанны Самари» 1877 ГМИ

Портрет молодой актрисы Комеди Франсез, исполнявшей роли хорошеньких служанок – субреток написан в теплой розовой гамме. По словам Ренуара, «Самари озаряла все вокруг». Широко и свободно написаны фон, изумрудный шелк платья, золотистые волосы. Перед нами образ красоты, изящества, очарования, молодости. Все внимание художник сосредотачивает на лице актрисы. Удивительно живо написаны сверкающие синие глаза и губы, тронутые легкой улыбкой. Ренуар вводит цветные тени, отказавшись от темных теней. Это придает полотнам жизненность и трепетность. В этих портретах постепенно складывается тип женского образа, который часто встречается на полотнах Ренуара: большие глаза, короткий, слегка вздернутый нос, невысокий лоб. Это обычно маленькая стройная женщина, к лицу одетая, кокетливая и простодушная – настоящая парижанка.



«Завтрак гребцов» 1881

Это последнее произведение Ренуара в чисто импрессионистической манере. Перед нами герои – искатели удовольствий из парижской молодежи. Они сидят в знаменитом ресторане господина Фурнеза. Сам он стоит слева в соломенной шляпе. Молодежь собралась после катания на лодках, лодки мы видим слева, между тентом и прибрежными кустами. Слева Алин Шариго, ставшая через год после завершения картины преданной женой художника. На перила облокотилась хозяйская дочь Альфонсина. С ней непринужденно беседует барон Рауль Барбье. Непринужденность поз и поведения персонажей вызвана тем, что художник прекрасно знал изображенных людей и мог свободно передавать на полотне их поведение. Пьет из бокала Анжель – любимая модель Ренуара. Справа в соломенной шляпе художник Густав Кейбот, , рядом актриса Элен Андре, позади журналист Маджоло. Это привычная для Ренуара среда. Живопись чиста и красочна. Палитра всех цветов радуги, короткие рваные мазки, тени скорее голубые, чем черные. Великолепен натюрморт на столе.

В 1881 году Ренуар совершает путешествие в Италию. Венеция очаровала его золотистым светом, и он написал несколько видов этого волшебного города. В Риме Ренуара поразили фрески Рафаэля, в Неаполе он видел древнюю живопись Помпей.

На более поздних полотнах художника часто появляется изображение его детей – Жана и Клода, прозванного Коко. Такова картина «Коко рисует», на которой с большой нежностью передан счастливый мир детства. Любимой моделью Ренуара становится воспитательница его детей Габриэль. Ее полнокровная красота вдохновила художника на создание замечательного произведения: «Габриэль с драгоценностями», где перед нами предстает пластичная форма, блеск и богатство жизни. Возвышенная красота таких полотен напоминает творения Тициана и Рубенса. В это время палитра художника состоит из небольшого количества красок -–это богатейшие вариации красного, розового и золотистого тонов. Зеленый, синий и черный используются скупо, как цветовые акценты.



В это время художника сковал жестокий ревматизм, и он вынужден был привязывать кисть к скрюченным пальцам, но полотна его дышат удивительной красотой и гармонией. В конце жизни художника вдохновляла природа Прованса, который называли французской «Элладой». Он создает произведения, исполненный классической простоты и гармонии. Обращается к античным сюжетам, в картинах чувствуется аромат Греции. Такова картина «Суд Париса». Но даже в этих, казалось бы, уже классицистических полотнах Ренуар оставался верен своим постоянным поискам красоты в современном мире.







База данных защищена авторским правом ©bezogr.ru 2016
обратиться к администрации

    Главная страница